20/12/2023

DVD release of Footprints: Bill Morrison's film on Bluray Digipack

 

Available here / Disponible ici


FRANÇAIS (English version below)

Digipack BluRay avec 15 films de Bill Morrison
+ livret bilingue FR/EN de 44 pages avec des textes de Anne-Violaine Houcke, Laura Staab et Steve Dollar




 

DISTRIBUÉ MONDIALEMENT SAUF EN AMÉRIQUE DU NORD (JUSQU'AU 01/01/2025) ET AU ROYAUME-UNI 

Morrison libère un film primordial de son destin de matière vouée à la décomposition et à l’obscurité : entre ses mains, le film se transforme pour redevenir une expérience. Bien qu’il ne cherche guère à restaurer les images pour leur rendre l’éclat du neuf, Morrison les restaure bien, dans leurs différents états de détérioration, pour les rendre au mouvement et aux gens. Et c’est là que réside en partie la magie de son cinéma : la magie intemporelle d’images animées sur un écran et devant un spectateur. – Laura Staab

Un film comme Beyond Zero : 1914-1918, constitué majoritairement d’images d’archives documentaires de la Première Guerre mondiale, livrées sans légendes ni commentaires, sans volonté de faire oeuvre d’historien, confronte le spectateur à une expérience sensible éprouvante du conflit. La dramaturgie monstrueuse à laquelle on assiste tient à la nature même de l’image photo-filmique, indicielle et matérielle : les corps des soldats, des blessés, des infirmières se déforment, s’agitent sous des détériorations qui semblent des pluies de bombes, se trouent, disparaissent dans la matière en décomposition du celluloïd. C’est, littéralement, leur dernière trace laissée en ce monde, imprimée dans le celluloïd, qui disparaît devant nous. – Anne-Violaine Houcke


FILMS
FOOTPRINTS / 1992, 6'
THE FILM OF HER / 1996 / 12'
GHOST TRIP / 2000 / 23'
THE HIGHWATER TRILOGY / 2006 / 31'
PORCH / 2007 / 9'
WHO BY WATER / 2007 / 18'
RELEASE / 2010 / 13'
JUST ANCIENT LOOPS / 2012 / 26'
RE:AWAKENINGS / 2013 / 18'
BEYOND ZERO: 1914-1918 / 2014 / 40'
THE DOCKWORKER’S DREAM / 2015 / 17'
THE LETTER / 2018 / 13'
WILD GIRL / 2021 / 6'
LET ME COME IN / 2021 /11'
HER VIOLET KISS / 2021 / 5'


+ livret bilingue FR/EN de 44 pages avec des textes de Anne-Violaine Houcke, Laura Staab et Steve Dollar

 Pour en savoir plus, voici la bande-annouce.

 

English

 

BluRay Digipack with 15 films by Bill Morrison
+ 44-page bilingual FR/EN booklet with texts by Anne-Violaine Houcke, Laura Staab and Steve Dollar




 

DISTRIBUTED WORLDWIDE EXCEPT IN NORTH AMERICA (UNTIL 01/01/2025) AND THE UNITED KINGDOM

Morrison releases primordial film from being material that is destined to decomposition and darkness: in his hands, it transforms to become film as experience once more. Uninterested in restoring images to a pristine state, Morrison is nonetheless invested in restoring images, in various conditions of collapse, to movement and to people. And this is some of the magic of his cinema: that timeless magic of images being animated on a screen before a spectator. – Laura Staab

A film like Beyond Zero: 1914-1918, mainly made up of archival documentary footage from the First World War, presented without any captions or commentary, without the authority of a historian, gives viewers a harrowing sensory experience of the conflict. The monstrous drama stems from the very nature of photo-filmic celluloid, which is both indexical and material: the bodies of the soldiers, of the wounded and of the nurses are deformed, they shake under the filmic damage which looks like bombs raining down, they are riddled with holes, they disappear in decomposing celluloid. This is, quite literally, the last trace they will leave in this world, printed on celluloid, disappearing before our very eyes. – Anne-Violaine Houcke


FILMS
FOOTPRINTS / 1992, 6'
THE FILM OF HER / 1996 / 12'
GHOST TRIP / 2000 / 23'
THE HIGHWATER TRILOGY / 2006 / 31'
PORCH / 2007 / 9'
WHO BY WATER / 2007 / 18'
RELEASE / 2010 / 13'
JUST ANCIENT LOOPS / 2012 / 26'
RE:AWAKENINGS / 2013 / 18'
BEYOND ZERO: 1914-1918 / 2014 / 40'
THE DOCKWORKER’S DREAM / 2015 / 17'
THE LETTER / 2018 / 13'
WILD GIRL / 2021 / 6'
LET ME COME IN / 2021 /11'
HER VIOLET KISS / 2021 / 5'

+ 44-page bilingual FR/EN booklet with texts by Anne-Violaine Houcke, Laura Staab and Steve Dollar

 To find more, here is the trailer.

 

13/12/2023

DVD release of Doc's Kingdom / Scenes from the Class Struggle in Portugal


PRÉ-VENTE À PARTIR DU 13 DÉCEMBRE - SORTIE OFFICIELLE LE 11 JANVIER

 

Available here / Disponible ici

 




 

A partir de 1975 et de la révolution des OEillets, Robert Kramer noue avec le Portugal un puissant lien politique et cinématographique qui s’exprime notamment à travers quatre oeuvres successives : With Freedom in Their Eyes (1976), un livre de photographies prises en Angola au moment où le pays se libère du colon portugais et tombe dans la guerre civile ; le documentaire militant Scenes from the Class Struggle in Portugal (1977), qui fait le point sur la révolution ; L’Etat des choses de Wim Wenders (1982), produit par le Portugais Paolo Branco, tourné à Sintra et dont Kramer a coécrit le scénario ; Doc’s Kingdom (1988), produit par le même Paolo Branco, et où le personnage de Doc, né dans Ice en 1969, dérive mélancoliquement sur les quais de Porto avant de retourner aux États-Unis deux ans plus tard dans Route One/USA.

« Je vis et je filme à l’étranger, depuis 1979. De mes huit derniers films, Doc’s Kingdom est le premier que j’ai pu tourner en anglais. C’est aussi le premier qui revient sur mon matériau : les États-Unis, un chez soi, votre pays, ce dont vous faites inévitablement partie et ce à quoi vous êtes à jamais extérieur. » (Robert Kramer)

 

FILMS
DOC'S KINGDOM / 1988 / 90'
SCENES FROM THE CLASS STRUGGLE IN PORTUGAL / 1977 / 90'
+ livret bilingue FR/EN de 52 pages

 


 

 

English 


PRE-SALE FROM DECEMBRE 8 - OFFICIAL RELEASE JANUARY 11

 

Following the Carnation Revolution in 1975, Robert Kramer forged a powerful political and cinematic bond with Portugal, which he expressed in four successive projects: With Freedom in Their Eyes (1976), a book of photographs taken in Angola when the country was liberated from Portuguese colonial rule and descended into civil war; the activist documentary Scenes from the Class Struggle in Portugal (1977), which analyzes the country’s revolution; Wim Wenders’ The State of Things (1982), made with Portuguese producer Paolo Branco, filmed in Sintra and co-scripted by Kramer; Doc’s Kingdom (1988), produced by Paolo Branco, in which the Doc character, first seen in Ice in 1969, wistfully drifts around Porto’s docks before returning to the United States two years later in Route One/USA.

“I’ve been living and filming abroad since 1979. Doc’s Kingdom is the first of the last eight movies I’ve been able to shoot in english. It is also the first to get back into my material : the USA, a home, a home land, what you are inevitably a part of and what you are forever outside.” (Robert Kramer)

 

FILMS
DOC'S KINGDOM / 1988 / 90'
SCENES FROM THE CLASS STRUGGLE IN PORTUGAL / 1977 / 90'
+ 52-page bilingual booklet

 

 

 

20/09/2023

DVD release of Cinex 12 : Su Friedrich

FRANÇAIS (English version below)

 

Sortie en DVD de "Cinex 12 : Su Friedrich" avec un documentaire sur le cinéaste Su Friedrich par Frédérique Devaux et Michel Amarger et 4 courts métrages de l'artiste en bonus.

 


Film documentaire sur le cinéaste Su Friedrich par Frédérique Devaux et Michel Amarger. 


Su Friedrich, née en 1954 à New Haven, est installée à Brooklyn.
Elle signe des films indépendants dès les années 1970, explorant depuis ses débuts la condition des femmes, la revendication des combats lesbiens, son histoire familiale, l’évolution de la société américaine. A travers ses recherches graphiques à même la pellicule, ou incrustées dans ses œuvres numériques, avec un regard acéré, elle développe, dans la fiction, le documentaire, le témoignage militant, une quête et une critique identitaire dans son environnement.

FILMS

CINEXPÉRIMENTAUX #12 : SU FRIEDRICH

+ 3 films de Su Friedrich

BUT NO ONE 1982, 9’
SEEING RED 2005, 28’
CINETRACTS 2020, 2’
MICROCOMSME 2015, 4’ document par Su Friedrich





English


DVD release of "Cinex 12 : Su Friedrich" with a documentary film about the filmmaker Su Friedrich by Frédérique Devaux and Michel Amarger and 4 bonus shorts by the artist.


Documentary film about the filmmaker Su Friedrich by Frédérique Devaux and Michel Amarger.


Su Friedrich, born in 1954 in New Haven, is based in Brooklyn. She has been making independent films since the late 1970s, exploring women’s condition, the lesbian struggle, her family history and the evolution of American society since her beginnings. Through her graphic research in 16mm film, or embedded in her digital works, with a sharp eye she develops, in fiction, documentary and militant testimony a quest and a critique of identity in her environment.

 

FILMS

CINEXPÉRIMENTAUX #12 : SU FRIEDRICH

+ 3 films by Su Friedrich
BUT NO ONE 1982, 9’
SEEING RED 2005, 28’
CINETRACTS 2020, 2’
MICROCOMSME 2015, 4’ document by Su Friedrich
 
 

 

22/03/2023

DVD collection of Stan Vanderbeek's films


 FRANÇAIS (English version below)

 

Nouvelles éditions Stan Vanderbeek : 3 collections de ses courts métrages, disponibles séparément ou réunis dans un coffret. Plus de 5 heures de film au total. Tous les films ont été scannés.


La collection DVD de Stan Vanderbeek sort officiellement en mars 2023.

 



Un coffret avec 31 films par Stan Vanderbeek en 3 DVDs 

Disponible à la commande ici :https://re-voir.com/shop/en/stan-vanderbeek/1480-stan-vanderbeek-visibles-dvd-boxset.html



VISIBLE 1

 

Le premier volume de notre collection DVD des films de Stan Vanderbeek avec 9 films

Disponible à la commande ici: https://re-voir.com/shop/en/stan-vanderbeek/1475-stan-vanderbeek-visibles-1.html

 

 

La transformation surréaliste d’une passerelle en un œil qui s’ouvre sur un sentier qui conduit à une fleur rayonnante qui devient un corps qui devient un paysage produit l’effet, selon les mots de Vanderbeek, d’une « expérience d’animation dans laquelle l’œil du spectateur s’enfonce toujours plus profondément dans chaque scène, trouvant de nouvelles relations et métaphores visuelles dans ce qui semble à première vue une simple scène... Juxtaposé à ce que nous voyons, il y a ce que nous croyons voir... Le souvenir du rêve est aussi réel que le rêve lui-même, tout en étant complètement différent de lui. »
-Janet Vrchota, Print 1973

 

FILMS
Science Friction (10’) 1959
A La Mode (6’) 1959
Achooo Mr. Kerrooschev (2') 1960
Breathdeath (14’) 1963
See Saw Seams (9’)
Panels for the Walls of the World (8’) 1967
Poemfield #2 (6’) 1966
Oh (9’) 1968
Symmetricks (6’) 1972

BONUS
Vanderbeekiana! (29’) 1968

 


 

 

VISIBLE 2 

 

 Le deuxième volume de notre collection DVD des films de Stan Vanderbeek avec 11 films
 
 
 

 

Cela fait partie de la nature intéressante de l’art qu’à ce même moment au carrefour de l’art, avec la perfection d’un moyen de capturer exac- tement la perspective et le «réalisme», le regard de l’artiste se tourne davantage vers son intérieur, et en quelque sorte vers un extérieur infi- ni, abandonnant la logique de l’esthétique et jaillissant à plein régime dans un monde juxtaposé et simultané qui ignore l’esprit de perspec- tive unique et l’objectif de perspective unique.
-Stan Vanderbeek, American Scholar Vol.35 1966

 

 FILMS
Astral Man (2’) 1959
Mankinda (8’)1957
What Who How (7’) 1957
Wheeeels No. 1 (7’) 1958
Wheeeels No. 2 (5’) 1958
Dance of the Looney Spoons (5’) 1959
Black And White, Day and Night (5’) 1962
Skullduggery (5’) 1960
The Human Face is a Monument (9’) 1965
The Smiling Workman (6’) 1967
The Birth of the American Flag (14’) 1965

 


 

 

COMPUTER GENERATION

 

 Le troisième volume de notre collection DVD des films de Stan Vanderbeek avec 11 films
 
 
 

 

Cela fait partie de la nature intéressante de l’art qu’à ce même moment au carrefour de l’art, avec la perfection d’un moyen de capturer exac- tement la perspective et le «réalisme», le regard de l’artiste se tourne davantage vers son intérieur, et en quelque sorte vers un extérieur infi- ni, abandonnant la logique de l’esthétique et jaillissant à plein régime dans un monde juxtaposé et simultané qui ignore l’esprit de perspec- tive unique et l’objectif de perspective unique.
-Stan Vanderbeek, American Scholar Vol.35 1966 

 

FILMS
Astral Man (2’) 1959
Mankinda (8’)1957
What Who How (7’) 1957
Wheeeels No. 1 (7’) 1958
Wheeeels No. 2 (5’) 1958
Dance of the Looney Spoons (5’) 1959
Black And White, Day and Night (5’) 1962
Skullduggery (5’) 1960
The Human Face is a Monument (9’) 1965
The Smiling Workman (6’) 1967
The Birth of the American Flag (14’) 1965

 


 

 


 

ENGLISH



New Stan Vanderbeek editions: 3 collections of his short film words, available seperately or all together in a box set. Over 5 hours of film in all. All from new scan. 

 

 Stan Vanderbeek's DVD collection will be officially released in March 2023.

 


 

A 3 DVD boxset with 31 films by Stan Vanderbeek 

Available for order here: https://re-voir.com/shop/en/stan-vanderbeek/1480-stan-vanderbeek-visibles-dvd-boxset.html

 

VISIBLE 1 


The first volume of our DVD collection of Stan Vanderbeek's films with 9 films

Available for order here: https://re-voir.com/shop/en/stan-vanderbeek/1475-stan-vanderbeek-visibles-1.html

 




Surrealistic transformation of a footbridge into an eye that opens to a path that leads to a glowing flower that becomes a body that becomes a landscape, have the effect, in Vanderbeek’s words, of an “experiment in animation in which the eye of the viewer travels deeper and deeper into each scene, finding new relationships and visual metaphors in what appears, at first sight, a simple scene... Juxtaposed with what we see is what we think we saw... The memory of the dream is as real as the dream itself, but it is completely different from the dream."
-Janet Vrchota, Print 1973 


FILMS
Science Friction (10’) 1959
A La Mode (6’) 1959
Achooo Mr. Kerrooschev (2') 1960
Breathdeath (14’) 1963
See Saw Seams (9’)
Panels for the Walls of the World (8’) 1967
Poemfield #2 (6’) 1966
Oh (9’) 1968
Symmetricks (6’) 1972

BONUS
Vanderbeekiana! (29’) 1968

 



VISIBLE 2

 

The second volume of our DVD collection of Stan Vanderbeek's films with 11 films
 
 



It is part of the interesting nature of art that at this same juncture in the crossroads of art, with the perfection of a means to capture exactly perspective and “realism,” the artist’s vision is turning more to his interior, and in a sense to an infinite exterior, abandoning the logic of aesthetics and springing full-blown into a juxtaposed and simultaneous world that ignores the one-point-perspective mind and the one-point-perspective lens.
-Stan Vanderbeek, American Scholar Vol.35 1966

 

FILMS
Astral Man (2’) 1959
Mankinda (8’)1957
What Who How (7’) 1957
Wheeeels No. 1 (7’) 1958
Wheeeels No. 2 (5’) 1958
Dance of the Looney Spoons (5’) 1959
Black And White, Day and Night (5’) 1962
Skullduggery (5’) 1960
The Human Face is a Monument (9’) 1965
The Smiling Workman (6’) 1967
The Birth of the American Flag (14’) 1965

 




COMPUTER GENERATION

 

The third volume of our DVD collection of Stan Vanderbeek's films with 11 films
 




We’re just fooling around on the outer edges of our own sensibilities. The new technologies will open higher levels of psychic communication and neurological referencing.” For the last five years Stan VanDerBeek has been working simultaneously with live-action and animated films, single and multiple-projection formats, intermedia events, video experiments, and computer graphics. Clearly a Renaissance Man, VanDerBeek has been a vital force in the convergence of art and technology, displaying a visionary’s insight into the cultural and psychological implications of the Paleocybernetic Age.
-Gene Youngblood, Expanded Cinema 1970

 

FILMS
Poemfield #1 (5’) 1967 
Poemfield #2 (6’) 1966-1971
Poemfield #3 (10’) 1967 
Poemfield #5 (7’) 1967 
Poemfield #7 (4’) 1967 
Moirage(8’) 1967
Who Ho Ray #1 (8’) 1966-1972
Who Ho Ray 2-screen Composite (8’) 1966-1972
Ad Infinitum (10’) 1968
Ad Infinitum 3-screen Composite (10’) 1968
Euclidean Illusions (9’) 198

 


 


30/01/2023

DVD release DOUBLE LABYRINTHE - Maria Klonaris and Katerina Thomadaki

 We are happy to announce the release of our second title from the filmmaking duo Maria Klonaris and Katerina Thomadaki.  DOUBLE LABYRINTH is a Digipack DVD with 5 films by Maria Klonaris et Katerina Thomadaki, which includes a 60 page booklet on the work of these two artists.


The release will be accompanied by a screening at Cinéma L'Archipel in Paris in the presence of Pip Chodorov, director of Re:Voir and Katerina Thomadaki who will be signing copies of this release and will be taking questions from the audience.

A few quotes on these works : 

Although consciously placed at the intersection of two great traditions, that of the ritual filmmakers (S. M. Eisenstein, Maya Deren, Kenneth Anger...) and that, less abundant, of the women filmmakers and visual artists (Germaine Dulac, Maya Deren again, Carolee Schneemann...), the work of Maria Klonaris and Katerina Thomadaki is unlike any other. Completely driven by a study of the body’s representation, it has devised brilliant aesthetic means and produced numerous theoretical tools to visually express their critical and affirmative philosophy.
-Nicole Brenez

These two artists, these two women, produced the concept of ‘a double author’, which is, to my knowledge, unique. [...] Double Labyrinth as the crucible and first instance of their work together provides a beautiful figuration of how the politics of method, the creative double, inflected the poetics of its imagery, the women’s bodies and their expressivity.
-Laura Mulvey

In their films they tackle the question of the femininity of images and of women in images, a major question when you consider the role of women in the history of images or in the history of painting. However, for them, what is at stake is not building femininity in opposition to masculinity or virility, but discovering the pure otherness at the core of what is feminine. Beginning with what are considered feminist themes, they end up with a broader theme, which is strictly and radically political and which is the question of the Other.
-Marie José Mondzain

Double Labyrinthe’s minimal yet complex aesthetics launched Klonaris/Thomadaki’s “Cinéma corporel.” The impact of the film on the experimental film scenes of the time, both in Paris and London, was such, that it actually helped to transform them. Its “radical femininity” trail blazed new dimensions in feminist film practice and theory, which to this day appear as innovative as in 1976. This landmark film holds a singular place next to such gems as Meshes of the Afternoon, Fuses or Jeanne Dielman.
-Cécile Alex Chich

FILMS
DOUBLE LABYRINTHE, 1975-1976, 50mins
LA TORTURE, 1976/2012, 15mins
FLASH PASSION, 1970, 2mins
3.VIl. 1973, 1971, 6mins
SMOKING, 1976/2016, 4mins



19/12/2022

Blu-Ray/DVD combo release of Philippe Garrel's film 1985 "Elle a passé tant d'heures sous les sunlights... "

We are happy to announce the release of our Blu-Ray/DVD combo Elle a passé tant d'heures sous les sunlights... by Philippe Garrel.  Available for order here : https://bit.ly/3PERuoD

Below is a brief analysis of the film by our colleague Ana Catarina F. Araújo.

ENGLISH VERSION ( version français en bas)

Elle a passé tant d'heures sous les sunlights...
by Philippe Garrel, presents the perfect construction for conveying something that stems from subjectivity. It seems to be, before anything else, a film about the filmmaker's most intimate questions at that point in time (1985). The picture seemingly alternates between on the one hand Garrel's personal life, and on the other his chosen medium. Therefore, there is something quite material – in the Marxist sense of the word – that merges with the empirical. This fusion pierces the screen not only through the extremely complex narrative but also, and at the same level, through the aesthetic choices.

In Elle a passé... we meet the characters of Christa (Anne Wiazemsky), Jacques (Jacques Bonnaffé), Marie (Mireille Perrier) and Gracq (Lou Castel). We also follow Philippe Garrel; we also observe and listen to Chantal Ackerman as well as Jacques Doillon. One understands quickly that this is in fact a film (or more) within a film, navigating across several cinematic genres at the same time as it refers to several periods of film history (in a very Garrelian fashion). Finally, it is a film that cannot seem to avoid carrying a certain social critique and activism.

In the first fifteen minutes, a game of doubles is presented: Christa (a double for Nico whose birth name was Christa Päffgen, Garrel's ex-lover in real life) becomes Jacques' ex-lover (in all likelihood Garrel's double in the film). Jacques will then become the lover of Marie who will give birth to his son (possibly referring to Louis, Garrel's son with Brigitte Sy, the film's co-writer). Still in these first fifteen minutes, a mise en abyme is made evident: after the title card "Les Ministères de L'art" we meet Marie as we watch her face in a close-up shot, listening, as attentively as the spectator, to the voice of the director. He's explaining how he used his love for Christa in order to please the audience, but that their relationship can no longer exist because it is detrimental to his art. In the minutes that follow, we witness Marie sitting on her car waiting for Jacques. He arrives, they kiss and enter the car. Up to here the spectator's questioning emanates from the doubling of the characters as well as from the resulting blending of the real and imaginary, yet it isn't until the moment when the image of the couple in their car cuts to black, that another dimension is exposed. The clapperboard authorizes here the beginning of another scene, this time in medium shots, one soon notices that the sequence is repeating, the film within the film thus making a brutal appearance.

Furthermore, a documentary dimension joins this autobiographic discourse. This is in addition to Garrel playing in his own film, in spite of the fact that Jacques is presented as his fictional double, to the recurrent mises en abyme that grow increasingly complex becoming almost fractal, and to the presence of out of frame elements and the extra-filmic space, all of which unveil the self-reflexive dimension of the film.

In addition, one hears reflections on the nature of cinema in each of the narrative layers. The director asks himself questions regarding how much his life feeds his work and vice-versa. He informs us about the difficulties in the making of his film: having trouble finding ways to finance it, he sees himself forced to sell heroine, or when all is ready to start shooting but the film stock hasn't arrived. He goes as far as filming documentary scenes with his peers Chantal Ackerman and Jacques Doillon. It is essential to note that in a majority of these scenes, either in voice-over or on screen, it is Garrel himself that expresses his questioning (despite the existence of his double Jacques). Hence the reflexivity of this work doesn't originate solely from his aesthetic choices – visible clapperboards, the noises of the camera motor, visible microphones, end of the roll flashes, directions given to the camera operator, etc. – no, the subject (or subjects) brilliantly addressed here by Garrel, seem to impose this very unique construction.

Gracq is the representative character for the antiestablishment spirit of the Nouvelle Vague and May 68, he is the anarchist that is ready to make use of violence in order to see true change, he is also the man for whom Marie leaves Jacques. Gracq seems to be the personification of the subversive and materialist side of this film, taking increasingly more space as the story evolves, this is why what he represents will end up overflowing his character. A long silent scene asserts the critical side of the film when Jacques kisses Marie – between the bed sheets shared with Capital: A Critique of Political Economy, a reminder of Gracq and the materialist and critical dimensions that he represents – and then leaves. The scene doesn't stop here, the spectator stares at Marie, lying next to Marx's book, until Garrel enters the frame and comes to kiss Marie, taking the place of his double. Minutes later, Marie ends up returning to Gracq and running away with this representative of the socio-economic critique of the film. This critical dimension seems to pierce through each and every layer of this composite creation that hovers between real and imaginary up until one loses sight of the line that separates them.

Elle a passé tant d'heures sous les Sunlights... is a film that encompasses an artist and his art. From the process to the result, Garrel gives us full access to his intimacy as well as to his own subjectivity. This film feeds directly from works created by the artist prior to 1985 and will then go on to nourish his subsequent projects. Elle a passé... is a central work in the filmography of this prodigy of the french avant-garde.
-Ana Catarina F. Araújo



EN FRANÇAIS
Elle a passé tant d'heures sous les sunlights... (1985), un film de Philippe Garrel, semble avoir la construction parfaite pour faire part de quelque chose de l'ordre du subjectif, il semble être avant tout un film sur des questionnements intimes de l'auteur à ce moment. Le film parait montrer la communication et le croisement constant entre, d'une part le vécu personnel de Garrel, et de l'autre son support de prédilection. Il y a donc quelque chose de très matériel – au sens Marxiste du terme – qui s'entremêle à quelque chose de l'ordre de l’empirique. Ce mélange de préoccupations transperce l’écran non seulement à travers la construction narrative extrêmement complexe mais également, et au même titre, à travers les choix esthétiques.

Dans Elle a passé... nous rencontrons les personnages de Christa (Anne Wiazemsky), Jacques (Jacques Bonnaffé), Marie (Mireille Perrier) et Gracq (Lou Castel). Nous suivons également Philippe Garrel ; nous écoutons et observons aussi Chantal Ackerman ainsi que Jacques Doillon. Nous nous rendons compte assez vite que ce film est en effet deux, voir plus ; qu'il traverse les codes de plusieurs genres cinématographiques tout en faisant référence à plusieurs périodes de l'histoire du cinéma (de façon bien Garrelienne). Finalement, c'est un film qui ne peut pas s’empêcher d'être porteur d'une critique sociale et d'un certain militantisme.

Dans les premières quinze minutes, un jeux de doubles est rendu visible : Christa (double de Nico – vraie nom Christa Paffgen – ex amante de Garrel dans la vraie vie), devient l'ex amante de Jacques (vraisemblablement le double de Garrel dans le film). Jacques deviendra par la suite l'amant de Marie qui accouchera d'un garçon (possiblement une référence à Louis, le fils de Garrel avec Brigitte Sy, co-scénariste du film en question). Toujours dans cette première quinzaine de minutes, une mise en abyme est dévoilée. En effet, suite à l'apparition du carton « Les Ministères de L'art » nous rencontrons Marie : son visage en gros plan écoute aussi attentivement que le spectateur la voix du réalisateur. Il explique qu'il utilisait son amour pour Christa afin de plaire au public, mais que cette relation ne peut plus exister car elle est nuisible à son art. Dans les minutes qui suivent, nous voyons Marie attendre Jacques assise sur sa voiture. Il arrive, ils s'embrassent et rentrent dans la voiture. Jusqu'ici le questionnement du spectateur émane du dédoublement des personnages ainsi que du mélange entre réel et imaginaire que cela engendre, or ce n'est qu'au moment où cette image du couple dans la voiture coupe au noir, qu'une autre dimension de est mise à nu. Le clap autorise à ce moment, le début d'une autre scène, cette fois-ci en plan taille, et le spectateur s’aperçoit assez vite que la scène se répète. Le film dans le film apparaît donc brutalement.

En outre, il existe une dimension documentaire en plus de ce discours autobiographique. Elle vient s'ajouter au fait que Garrel joue dans son propre film (malgré le fait que Jacques soit présenté comme étant son double fictionnel), mais aussi aux mises en abyme récurrentes qui deviennent de plus en plus complexes et presque fractales, et à la présence du hors-cadre et de l'espace extra-filmique. Tout ceci vient dévoiler la dimension auto-réflexive du film.

On peut aussi noter qu'il existe une réflexion sur la nature du cinéma, et ceci dans chacune des couches narratives. Le réalisateur se pose des question sur combien sa vie nourri son cinema et vice-versa. Il nous fait part des difficultés rencontrées dans la fabrication de son film : ayant des difficultés pour trouver des moyens de financement, il se voit obligé de vendre de l’héroïne, où alors quand tout est prêt pour démarrer le tournage mais la pellicule n'est pas arrivée. Il va jusqu'à filmer des séquences documentaires avec ses camarades Chantal Ackerman et Jacques Doillon. Il est essentiel de noter que dans une grande partie de ces séquences, qu'elles soient en voix-off, ou bien avec le cinéaste dans le champ, c'est Garrel lui même qui incarne son questionnement (malgré l'existence de son double Jacques). Donc la réflexivité de cette œuvre ne provient pas que des choix esthétiques – l'apparition de claps, les bruitages du moteur de la caméra, la perche visible, les flashs de fin de bobine, les directions donnés directement au caméraman, etc. – non, le sujet (ou les sujets) traités ici brillamment par Garrel, semblent imposer cette construction unique.

   

             


Gracq est le personnage représentatif de l'esprit contestataire de la Nouvelle Vague et de Mai 68, il est l'anarchiste qui est prêt à faire recours à la violence pour voir un réel changement, il est également l'homme pour qui Marie quitte Jacques. Gracq semble être la personnification du côté subversif et matérialiste de ce film, prenant plus de place au fur et à mesure de l'avancé de la diégèse, c'est pourquoi ce qu'il représente finit par transborder son personnage. Une longue scène muette vient cimenter le côté critique du film quand Jacques embrasse Marie – dans un lit partagé avec Le Capital, un rappel de Gracq et de la dimension matérialiste et critique qu'il représente – et s'en va. La scène ne s'arrête pas là, le spectateur regarde Marie, allongée aux côtés du livre de Marx, jusqu'à que l'on voit Garrel pénétrer dans le champ et venir embrasser Marie, prenant la place de son double. Quelques minutes plus tard, Marie termine par retourner vers Gracq, puis s'enfuit avec ce représentant de la critique socio-économique du film. Cette dimension critique semble traverser toutes les couches de cette création composite qui plane entre réel et imaginaire jusqu'à en perdre la ligne qui les sépare de vue.

Elle a passé tant d'heures sous les Sunlights... est un film qui englobe un artiste et son art. Du processus jusqu'au résultat, Garrel nous donne accès à son intimité ainsi qu'à sa propre subjectivité. Ce film se nourrit directement des œuvres crées par le cinéaste avant 1985 et il alimentera par la suite les créations ultérieures de l'auteur. Elle a passé... est une œuvre phare dans la filmographie de l'auteur prodige du cinéma d'avant garde français.
- Ana Catarina F. Araújo


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